Museo Sorolla Paseo General Martínez Campos, 37 🚇 Gregorio Marañón-Iglesias
Inaugurada esta exposición el día 12 de julio, se puede visitar hasta el 27 de noviembre 2022.
La exposición dirige la atención hacia el color negro a partir de la aparente contradicción que supone asociar a Sorolla -pintor de la luz y el color- con el negro. De este modo, Sorolla en negro es una exposición que tiene la fuerza de un oxímoron: anuncia lo contrario que uno espera ver del pintor.
Sorolla en negro nos invita a preguntarnos si asociar a Sorolla con el negro puede ser una paradoja o si, por el contrario, representa otro punto de vista para comprender y apreciar al artista en toda su complejidad.
La intensa luz del Mediterráneo, las escenas llenas de color, los blancos de infinitos matices son los rasgos con los que se identifica al pintor Joaquín Sorolla y su vasta producción. Sin embargo, el negro, que puede considerarse como la antítesis del color, la oscuridad misma, también está presente de manera notoria en su paleta. De hecho, la exposición cuestiona la idea de que el color negro, y cuanto significa, está reñido con la poética del pintor valenciano. La propuesta curatorial niega, pues, una gran parte de la tradición crítica en torno a Sorolla, empezando por sus propios contemporáneos.
Comisariada por Carlos Reyero Hermosilla catedrático de historia del arte y exdirector del Museo de Bellas Artes de Valencia, con la colaboración de Blanca Pons-Sorolla, la exposición nace de una larga investigación que profundiza no solo en el estudio de la pintura de Sorolla, sino en la valoración estética y cultural de negros y grises en la pintura de entre siglos.
Fruto de ello, se ha reunido una cuidada selección de más de 62 obras procedentes tanto de la colección del Museo como préstamosde instituciones y de colecciones particulares. Algunas de las obras expuestas, especialmente las de coleccionistas particulares, permanecían inéditas para el conocimiento del público como María pintando, 1911 o Retrato de Manuel Bartolomé Cossío, 1908. Así mismo se presenta por primera vez tras su reciente restauración la obra S.M. La Reina María Cristina. Estudio para “La Regencia”, ca 1903-1905.
Autorretrato, 1900 Clotilde con traje gris, 1900. Joaquín Sorolla García sentado, 1917
El doctor Francisco Rodríguez de Sandoval. 1906. Autorretrato, 1900. Retrato de Juan Antonio García del Castillo, 1887
El comisario de la exposición Carlos Reyero Hermosilla explicando el cuadro del doctor Francisco Rodríguez de Sandoval
José Echegaray, 1905 Colección Banco de España. Retrato de Manuel Bartolomé Cossío, 1908. Retrato de Lesmes Sainz de Vicuña Arrascaeta, 1902
Retrato de Manuel Bartolomé Cossío, 1908 Colección particular
Elena con sombreo negro, 1910 Colección particular. Clotilde con mantilla negra, 1919-1920. María con sombrero, 1910
Retrato de Manuel Ducassi y Laiglesia, 1905
S. M. la reina Mª Cristina estudio para la "la Regenta", 1903-1905
Reproducciones de la obra de Joaquín Sorollla Bastida
Atentos a las explicaciones del comisario de la exposición Carlos Reyero en la primera sala
Bebedor vasco (Juan Ángel), 1910 Museo de Málaga. El Segoviano, 1907. Estudio para "Otra Margarita" 1892
Carta remitida por Sorolla a Pedro Gil de Mora en el mes de febrero de 1900
Trata de blancas, 1894
Nazarenos sevillanos, 1914. Procesión, 1914. Llegada al cementerio, 1889
Busto de Joaquín García, 1901. María vestida de velazqueña, 1905
Joaquina la gitana, 1914
La sombra de la vela, 1908 Recogiendo la red, 1903-1904. La sombra de la barca, 1903
Barcas a la luz de la luna. Barcas de Valencia, 1900
Tres madrileñas, 1912. Mocita andaluza, 1914 Colección particular
Retrato de Agustín Otermin, 1892. Perfil de Clotilde, 1889-1890
Álbum de Estampas Surimono
La sorpresa de Zahara. Desnudos en patio, 1900. La sorpresa de Zahara interior de una fonda. Colección particular
Leyendas de Don José Zorrilla, volumen II, 1901
Calle de Pasajes, 1904. Casa de Víctor Hugo en Pasajes, 1904. Mamelena, 1904
Día gris en la playa de Valencia, 1904. Día gris en la playa de Valencia, 1901 Colección particular. Mar de tormenta Valencia, 1899
Paret es considerado como el más notable representante de la tradición del Rococó francés en España —se le ha denominado el «Watteau español»—. Su estilo es en realidad más variado y ecléctico, al incluir por ejemplo numerosas obras de aliento neoclásico.
La estelar trayectoria e influencia posterior de Francisco de Goya y su particular biografía, marcada por un largo destierro en Puerto Rico y Bilbao, acabarían por ensombrecer su papel en el arte español del siglo XVIII. Por eso, esta exposición aspira a restaurar su importancia y darle a conocer al gran público tanto dentro como fuera de España.
Con más de 80 obras, entre las que se encuentran la mayor parte de sus pinturas y una selección de sus dibujos, el Museo Nacional del Prado, con el apoyo de la Fundación AXA propone un recorrido cronológico y temático.
La muestra propone un recorrido completo por la carrera de Paret y se divide en nueve secciones. En la sección primera se ofrece la oportunidad especial de comparar un dibujo clave de su etapa inicial con la primera pintura documentada de su célebre compatriota Francisco de Goya, nacido en el mismo año que Paret. Ambos artistas iniciaron su carrera –Paret incluso cinco años antes que Goya– después de haber sido reconocidos en unos de los concursos convocados por las distintas academias de Bellas Artes, Paret por la de San Fernando en Madrid, Goya por la de Parma. Se exponen precisamente las dos obras que les reportaron ese reconocimiento –ambas, además, sobre un asunto de la historia de Aníbal- de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y del Prado. Estas obras muestran en general la importancia de los concursos académicos y de la formación en Italia para las carreras de los artistas. Permiten particularmente conocer la gran calidad técnica y compositiva de Paret ya en esta etapa temprana y de compararla con la de Goya, así como distinguir la fuerte personalidad artística de cada uno a través de los distintos estilos de estas obras.
En palabras de Javier Solana, Presidente del Real Patronato del Museo Nacional del Prado: “Luis Paret es posiblemente el artista español del siglo XVIII que más merecía una exposición de gran envergadura como la que ahora ofrece el Museo del Prado”. Y es por eso que, gracias a la inestimable inestimable colaboración de prestadores públicos y privados, el Museo Nacional del Prado, que ha contado con el apoyo de la Fundación AXA, ha logrado reunir la mayoría de las pinturas conocidas del artista, entre las que cabe destacar Baile en máscara, La Puerta del Sol, Las hijas de Paret, Vista de Bermeo o El anuncio del ángel a Zacarías, y un extraordinario conjunto de sus dibujos, como Aníbal haciendo sacrificios en el templo de Hércules en Cádiz o la Jura de don Fernando como Príncipe de Asturias, para permitir apreciar en toda su variedad y riqueza a un pintor atento a los cambios de su tiempo y de una extraordinaria originalidad y versatilidad.
Aníbal vencedor que por primera vez mira Italia desde los Alpes. Francisco de Goya
Trofeo militar romano. Paret
El sacrificio de Ifigenia _ Caricaturas- Paret
Baile en máscara. Paret
Ensayo de una comedia. Paret
Nigromante. Paret
Carlos III comiendo ante su corte. Paret
Las parejas reales. Paret
Una cebra. Paret
Oropéndolas
Cola-roja collarada. Paret
Autorretrato. Paret
María de las Nieves Micaela Fourdinier, esposa del pintor. Paret
Autorretrato en el estudio. Paret
Ramillete de flores con lazo azul. Paret
Ramillete de flores con lazo blaquiazul. Paret
Joven dormida en una hamaca. Paret
La Celestina y los enamorados. Paret
La Egloga. Paret
Vista de Bermeo. Paret
La predicación de San Juan, Paret
San Juan y los primeros discípulos de Jesús, Paret
La Constancia 1787. Paret
La Santidad 1787. Paret
La Castidad. Paret
La Sabiduría Evangélica. Paret
Alegoría de Galicia. Paret
Jura de don Fernando como príncipe de Asturias. Paret
El Jardín Botánico desde el Paseo del Prado, Paret
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